ENTREVISTA EXCLUSIVA A SUSANA NAIDICH
“Un cantante no puede emitir con libertad, si está pensando en su onda sonora”

Por Soledad Sacheri
sacheri@sav.org.ar

Hablar de su inagotable conocimiento, su pasión por la enseñanza e investigación, su generosidad, su entrega y el significado de sus aportes para todos los profesionales de la voz, son aproximaciones al fascinante ser humano que es Susana Naidich. Fonoaudióloga, Master en Musicología, Canto Lírico, y Profesora Superior de Danzas. Su experiencia lo dice todo. Acercarnos a su pensamiento, a su mundo, nos demuestra que todavía hay mucho por descubrir y valorar en esta mujer extraordinaria que sigue inspirando el trabajo de muchos.

Susana Naidich

Naidich egresó a los 17 años de la Escuela de Opera del Teatro Colón de Buenos Aires. Durante sus estudios en Viena actuó en los Festivales de Salzburgo con la dirección de George Solti. En Buenos Aires integró el elenco del Teatro Colón, donde actuó bajo las batutas de K. Böhm E. Kleiber. Jean Matinon, entre otros. Simultáneamente cantó en las principales sociedades de concierto en recitales de cámara y solista en obras sinfónico-corales. En EEUU cantó en los festivales de Tanglewood y en Boston acompañada por A. Copland y L. Bernstein. En 1963 y 1964 realizó giras por Israel en conciertos con orquesta y de cámara. La Voz de la SAV charló con esta experta de la voz, quien desde 1967 alterna la actividad artística con la educación y reeducación de voz cantada y hablada, y quien ya lleva tres discos que recopilan los momentos brillantes de su carrera.

¿Hasta donde se puede emocionar el cantante, sin que ello afecte su producción vocal? ¿Qué diferencias se encuentra en un cantante lírico y en un cantante popular?
En el cantante lírico o clásico en general, la emoción se produce al ir expresando un texto dentro de una melodía que le permite disfrutar de la calidad de su propia voz, su timbre vocal, y a veces su intensidad. El cantante popular está más cerca del texto que de la calidad de su voz, o la melodía que canta. Tampoco al público le interesa tanto el aspecto melódico musical, sino que trata de identificarse con las palabras. Además la parte musical tiene valores para ese campo del arte. Poco importa denominarla “clásica” o “popular”. Será arte.

¿Y en la música de cámara, la sonoridad no tiene un rol tan importante como en la ópera?
La música “de cámara” (lied – oratorio) no exige tanta intensidad por su carácter más intimo. Exige claridad en el texto: transmitir una historia, un cuento, sentimientos en los tres o cuatro minutos que dure la canción. Aclaremos que los estilos “clásicos” se realizan con la resonancia propia del cantante. En el llamado estilo “popular”, el uso de micrófono permite escuchar la voz, aún pequeña, por encima de los instrumentos que acompañan, a veces con gran intensidad.

 ¿Qué piensa del crossing over?
Cross-over, es un término que surgió del paso de un estilo a otro: “popular” a “clásico” y viceversa. Este cambio es accesible en instrumentistas, y mucho más difícil en el canto. Un cantante popular puede hacer la transición a obras clásicas si ha adquirido una técnica vocal que lo permita, y si sus condiciones vocales (extensión, timbre) se adaptan al cambio. No se trata simplemente de entonar una melodía, sino adecuarla al estilo que se aborda. La transición de un cantante clásico a los estilos populares suele ser muy difícil, por cuanto una técnica adquirida con años de estudio debe modificarse, para el abordaje de estilos que dan más énfasis al texto, que debe ser entendible para el oyente. Algunos pocos cantantes lo logran, en especial usando tesituras más graves que las que se usan en el canto clásico, y que les permite emitir sin alterar las vocales, sino clarificar el texto. Otros abordan temas populares, pero sin modificar su técnica vocal clásica; el resultado no es cross-over.

¿La cantante lírica no hace belting?
No usa el recurso del belting que es contrario a la técnica vocal del canto lírico. Belting significa extenderse hacia los agudos con la misma calidad de resonancia y laríngea usada en los tonos graves, la que suele atentar contra los principios de “higiene vocal”, tanto para el hombre como para la mujer.

¿Qué opina acerca del análisis objetivo de la voz?
Creo que el conocimiento de qué es la voz, en altura, intensidad, armónicos (resonancia) formantes es de gran importancia para la investigación. También para quien trabaja con profesionales de esta área, el resultado de los estudios puede servirle de guía. Un cantante no puede emitir con libertad si está pensando en su onda sonora cuando canta. No soy partidaria de instruir a un alumno modificando su “retorno auditivo” por un “retorno visual”. Sería como enseñar a cantar a un sordo.

A veces los actores son reacios a trabajar la voz. ¿Qué consejo les daría cuando dicen que es mejor ser espontáneos?
Creo que hay una confusión en cuanto al término “impostación” vocal. Naturalmente los actores son reacios, porque sus premisas son ser “naturales” en la interpretación de un personaje. En mi opinión, y así lo hago con estos profesionales, enseño respiración con mayor énfasis en lo abdominal, y también inspiraciones bucales, como hacemos en la vida cotidiana. No hablamos de resonancia, ni de “formantes”, ni de elementos ajenos a la voz misma y a la dicción. Muchas veces un texto muy suave es entendible para el público si la articulación es clara y la intensidad es baja. No es desconocido que las frecuencias más agudas se perciben aún suaves. Las voces varoniles, si son graves y sonoras, son de mejor utilización en voz teatral. Uso cuatro o cinco tonos, dentro de la zona vocal óptima, semejando vocalización, con sílabas, palabras, frases, hasta llegar al texto.

¿Cómo trabaja la emoción en el actor?
En realidad es un elemento que debe trabajar el maestro de teatro: memoria emotiva, observación de personajes, etc. El actor debe buscar la emoción auténtica, que es lo que enriquece su personaje, y en ocasiones permitir que su voz surja distorsionada por esa misma emoción. Para quien trabaje con actores sería útil conocer los recursos que usan las diferentas técnicas para adaptar el uso vocal a las mismas.

¿Qué rutina tiene usted cuando debe cantar?
Mucho descanso corporal y vocal previo. Comer sano, dormir, vocalizar el día de actuación varias veces en el día, entre quince y veinte minutos. Vocalizar hora y media, como llegan a hacer algunos cantantes líricos, si bien cumple los principios de “calentamiento vocal” o “Warm up”, puede también producir fatiga. Leer sin cantar ni hablar los textos a interpretar, pero no ensayar ni “marcar”. Antes de salir a escena otros diez a quince minutos de vocalización ágil. Y ¡al ruedo!.

¿Come algo antes de salir a cantar? ¿Qué y en qué momento lo hace?
Cantar consume mucha energía. Personalmente evito comidas que puedan fermentar o de lenta digestión. Por cierto que cada sujeto tiene sus hábitos. Pero es importante tener libre el movimiento abdominal y la respiración antes de cantar: prefiero frutas, té, verduras hervidas. Evito frituras, comidas pesadas en general.

¿Qué criterios prioriza en la clasificación vocal?
Tras evaluar varios criterios, considero muy eficaz basarse en la zona confortable y de mayor rendimiento acústico. Son conocidos varios parámetros en general: extensión total, timbre o color, tipo físico, tamaño y grosor de pliegues vocales. No clasificas inmediatamente. Conocer primero la voz y su desarrollo. El tiempo de espera varía de un individuo a otro. Para definir una clasificación, por otra parte es preciso evaluar la resistencia o labilidad de una laringe, aún cuando todos los demás parámetros sean coincidentes. En ese caso, con un alumno, guiarlo hacia el estilo que más se adapta a sus características.


Conozca más sobre Susana Naidich:
www.susananaidich.com.ar